¶ Wer bin ich?
Hi, ich bin Patrick Fischer, und seit 2018 ist die Spieleentwicklung meine Leidenschaft. Angefangen hat alles mit einem Studium in Game Development. Mittlerweile arbeite ich als Head Instructor und Software Engineer in einer Bildungseinrichtung, wo ich Menschen dabei helfe, ihre ersten Schritte in der Spieleentwicklung zu machen. Mein Ziel? Ich will zeigen, dass Game Development für jeden machbar ist – unabhängig von Vorkenntnissen oder Alter.
Diese Dokumentation habe ich geschrieben, um dir nicht nur Wissen zu vermitteln, sondern auch die wichtigsten Ressourcen an die Hand zu geben. Mit diesen Werkzeugen kannst du loslegen, eigene Spiele zu entwickeln und deine Ideen in die Welt zu bringen. Nebenbei arbeite ich selbst mit einem Kumpel an einem kleinen Projekt: Disco Gunner. Ein Singleplayer Top-Down-Horde-Shooter, in dem du dich durch endlose oder Vordefinierte Wellen von lebendig gewordenen Disco-Requisiten kämpfst, um so weit wie möglich zu kommen. Das Gameplay bleibt durch positive und negative Upgrades spannend, die deine Strategie ständig herausfordern. Der Fokus liegt auf Immersion: Minimaler UI-Einsatz, dafür eine dynamische Welt voller visueller Effekte und eine nahtlose Integration der Musik, die direkt mit der Spielumgebung interagiert.
¶ Überblick Games Industrie
Die Spieleindustrie ist vor allem in der Corona Zeit deutlich gewachsen und stellt die Film Industrie mittlerweile in den Schatten. Ist im Grundlegenden ja auch kein Wunder. Spiele sind vielfältig, von Puzzlespielen, interaktive Geschichten, die man als Spieler mitgestalten kann, Simulationen, oder auch zu Lernen. Spiele sind vielfältige und haben sogut wie keine Grenzen.
Das Gleiche gilt für die Entwickler dahinter. Es gibt riesige AAA-Studios, die Millionen in ihre Projekte investieren – mit großen Teams, aufwendigen Grafiken und gigantischen Budgets. Dann gibt es die Indie-Entwickler: kleine, oft unabhängige Teams oder Einzelpersonen, die mit begrenzten Ressourcen, aber unglaublich viel Kreativität und Leidenschaft großartige Spiele schaffen. Besonders in den letzten Jahren haben Indie-Spiele immer mehr an Aufmerksamkeit und Erfolg gewonnen. Die Nachfrage nach einzigartigen, originellen Titeln ist gestiegen, und Spieler schätzen die oft frischen Ideen und persönlichen Geschichten, die Indies bieten. Dadurch konnten Spiele wie Hollow Knight, Celeste oder Hades einen riesigen Impact haben und zeigen, wie viel Potenzial in dieser Szene steckt.
Und schließlich gibt es die Hobbyentwickler, die komplett ohne Budget arbeiten, in ihrer Freizeit Spiele erstellen und sich auf kostenlose Tools und die Unterstützung der Community verlassen.
Was alle verbindet? Die Liebe zur Spieleentwicklung und die Tatsache, dass du in dieser keinen festen Weg gehen musst. Ob mit Millionenbudget oder null Kapital – jedes Spiel beginnt mit einer Idee.
Du kannst genau da einsteigen, wo es für dich passt. Der Einstieg wirkt vielleicht erstmal überwältigend, aber glaub mir: Es ist wie bei einem neuen Spiel. Du startest auf Level eins und arbeitest dich hoch – Schritt für Schritt.
¶ Was brauche ich zu starten
Egal, wo du stehst – du kannst jederzeit loslegen. Es gibt keine Voraussetzungen. Du musst nicht alles können oder schon Erfahrung haben. Spieleentwicklung bedeutet Lernen durch Machen, und das ist auch gut so. Neue Tools und Workflows kommen ständig dazu, was die Branche lebendig hält und dir die Chance gibt, immer am Puls der Zeit zu bleiben.
Ein besonderer Vorteil der Spielebranche ist ihre Dynamik. Technologien, Workflows und sogar ganze Entwicklungsprozesse entwickeln sich rasend schnell weiter. Das, was heute Standard ist, könnte in ein paar Jahren schon veraltet sein – aber genau das macht den Einstieg so spannend. Du kannst mit den aktuellsten Tools und Techniken beginnen und genau schauen, mit welchen Konzepte du dich herumschlagen musst. Alles, was du wissen musst, ist jetzt verfügbar, frisch und bereit, ausprobiert zu werden.
Und weißt du, was noch großartig ist? Auch das Alter spielt keine Rolle. Es ist nie zu früh oder zu spät, dich in die Spieleentwicklung einzuarbeiten. Alles, was zählt, ist die Lust, Neues zu lernen und eigene Projekte umzusetzen.
Falls du dir unsicher bist, womit du anfangen sollst: Fokussiere dich zuerst auf deine Idee. Du musst nicht in jedem Bereich Experte sein – gerade am Anfang reicht es, dich auf eine Spiele-Engine zu konzentrieren und ein einfaches Konzept umzusetzen. Tutorials, kostenlose Assets und Communities sind deine besten Freunde auf diesem Weg.
¶ Teilbereiche in der Spieleentwicklung
Wusstest du, dass es in der Spieleentwicklung über 50 verschiedene Jobbeschreibungen gibt? Von Programmierern über Artists bis hin zu Marketing-Experten – die Bandbreite ist riesig. Diese Rollen lassen sich grob in zwei Kategorien einteilen: Bereiche, die direkt an der Entwicklung des Spiels arbeiten, und solche, die eher unterstützend wirken, wie Marketing, Human Resources oder Content Creation.
Aber hey, keine Sorge – für den Anfang interessieren dich nur die Rollen, die wirklich mit der eigentlichen Entwicklung zu tun haben. Diese lassen sich in drei Hauptkategorien unterteilen: Programmierer, Artists und Audio-Produktion. Das sind die Kerndisziplinen, die jedes Spiel zusammenbringen.
Jede dieser Hauptbereiche hat noch viele spannende Spezialisierungen, die im professionellen Umfeld wichtig werden. Aber für den Einstieg gilt eine goldene Regel: Einfach machen! Du musst nicht direkt wissen, welche Spezialisierung für dich die richtige ist – probiere aus, was dir am meisten Spaß macht, und entwickle dich weiter.
Wenn du mit Game Development anfängst, wirst du auf drei zentrale Themen stoßen, die dein Projekt prägen werden:
- Spielkonzept und Design: Deine Idee und wie du sie umsetzt.
- Spielmechaniken: Wie fühlt sich das Spiel an, und was macht es spannend?
- Projektmanagement: Der Fahrplan, um dein Spiel fertigzustellen.
Und noch ein wichtiges Thema, das oft unterschätzt wird: Speicher und Backups. Egal, wie simpel dein Projekt ist – sichere deine Arbeit. Ich komme regelmäßig mit Studenten ins Gespräch, die ihre Projekte verloren haben, weil sie auf diesen Rat nicht gehört haben. Es klingt immer so banal: „Ach, ich mach das später.“ Und dann passiert es – die Festplatte gibt den Geist auf und plötzlich ist monatelange Arbeit weg. Diese Lektion will niemand auf die harte Tour lernen, glaub mir.
¶ Spielkonzept und Design
Bevor du loslegst, brauchst du natürlich eine Spieleidee. Vielleicht hast du schon etwas im Kopf – das ist großartig! Aber hier kommt ein wichtiger Tipp: Starte nicht direkt mit deinem Traumprojekt. Das hat nichts damit zu tun, dass deine Idee schlecht wäre. Sie ist wahrscheinlich einfach zu groß, zu komplex oder erfordert Mechaniken, die für den Anfang schwer umzusetzen sind.
Denk mal an ein neues Spiel, das du startest. Du springst ja auch nicht direkt ins höchste Schwierigkeitslevel und trittst gegen Profis an. Genau wie in einem Spiel musst du dich Schritt für Schritt hocharbeiten: neue Dinge lernen, Fehler machen und aus diesen wachsen. Das ist der Weg, um besser zu werden.
Deshalb: Keep it simple!
Lass Funktionen wie Multiplayer oder ein MMORPG erstmal außen vor. Das klingt cool, aber für den Anfang ist ein Arcade-Spiel oder ein simples Puzzle genau das Richtige. Warum? Weil du damit schneller Feedback bekommst. Wenn du Jahre an einem Spiel arbeitest und es nie jemanden spielen lässt, verpasst du eine riesige Chance. Feedback zeigt dir, was funktioniert und was nicht. Das ist der Schlüssel, um besser zu verstehen, wie Spiele und ihre Konzepte wirklich ankommen.
Es gibt da draußen unzählige Tutorials, die dir Schritt für Schritt zeigen, wie man ein komplettes Spiel baut. Die können super hilfreich sein, aber häng dich nicht nur an Tutorials auf. Verwirkliche deine eigene Idee! Halte sie einfach, und bleib im passenden Umfang – oder wie man in der Branche sagt: im richtigen Scope.
Überleg dir:
- Genre: Welches Genre passt zu deiner Idee?
- Zielgruppe: Für wen machst du das Spiel?
- Plattform: Auf welchem Gerät soll es gespielt werden?
Und frag dich bei jeder Funktion: Braucht mein Spiel das wirklich? Fokussiere dich auf die essentiellen Mechaniken. Alles, was nicht wirklich notwendig ist, kann raus – oder kommt später dazu.
Hast du dir ausreichend Gedanken gemacht, uns hast deine Idee klar vor Augen? Perfekt! Schreib sie auf – zum Beispiel in einem Game Design Document (GDD). Dieses Dokument ist wie ein lebendiger Plan, der dir hilft, dein Projekt zu organisieren und im richtigen Umfang zu bleiben. Es ermöglicht dir außerdem, vorab zu prüfen, welche Engine oder Programmiersprache am besten zu deinem Spiel passt. Ein GDD spart dir Zeit und Geld – und glaubt mir, beides wirst du brauchen.
Hier ein paar legendäre Beispiele von klassischen Game Design Documents, die dir als Inspiration dienen können:
The original Diablo Design Doc
Wenn ein GDD nicht dein Ding ist, keine Sorge. Du kannst auch andere Methoden nutzen, um deine Idee festzuhalten: eine einfache Präsentation, eine Webseite oder sogar ein Notizbuch – Hauptsache, es deckt die wichtigsten Punkte ab.
¶ Spielmechaniken - Das Herz deines Spiels
Die Spielmechaniken sind das Herzstück deines Spiels. Du entscheidest, ob dein Spiel Spaß macht oder ob es sich einfach nicht „richtig“ anfühlt. Deshalb solltest du dir gut überlegen, welche Mechaniken wirklich notwendig sind und welche nicht. Frag dich bei jeder Mechanik: Welchen Zweck erfüllt sie? Welche Intention steckt dahinter?
Wenn eine Mechanik essenziell ist, behalte sie unbedingt bei. Falls sie allerdings keinen klaren Nutzen hat, frag dich, ob du sie sinnvoll erweitern kannst – oder ob sie vielleicht komplett rausfliegen sollte. Weniger ist oft mehr, vor allem am Anfang.
Neben den Mechaniken brauchst du auch klare Spielregeln. Sie geben deinem Spiel Struktur und Ziel. Überleg dir zum Beispiel:
- Was muss passieren, damit der Spieler gewinnt?
- Wie kann der Spieler verlieren?
- Was passiert, wenn der Spieler scheitert? Muss er von vorne anfangen?
Teste verschiedene Ansätze aus, wenn du dein Spiel entwickelst. Vielleicht funktioniert deine erste Idee nicht so gut, wie du gedacht hast – und das ist okay! Feedback von anderen Spielern ist hier Gold wert. Nur durch das Testen und Zuhören kannst du herausfinden, was wirklich Spaß macht.
Ein gutes Balancing macht den Unterschied zwischen „meh“ und „wow“. Deine Mechaniken müssen sich gut anfühlen – ob es das Tempo eines Sprungs ist, der Schwierigkeitsgrad einer Aufgabe oder die Belohnung für eine gemeisterte Herausforderung. Um das herauszufinden, hilft nur eins: Testen, testen und nochmal testen.
Denk auch darüber nach, ob einige Mechaniken andere überflüssig machen könnten. Wenn eine Mechanik so stark ist, dass sie andere in den Hintergrund drängt, solltest du sie entweder abschwächen oder die anderen Mechaniken anpassen. Es geht darum, ein harmonisches Zusammenspiel zu schaffen, bei dem alle Elemente deines Spiels ihren Platz haben.
Spielmechaniken sind ein lebendiger Teil deines Spiels. Du wirst sie anpassen, verändern und verfeinern, während dein Spiel wächst. Und genau das macht den Entwicklungsprozess so spannend. Hör auf dein Bauchgefühl, hol dir Feedback von anderen und scheue dich nicht, Dinge auszuprobieren. Am Ende zählt nur, dass dein Spiel Spaß macht – und das erreichst du, wenn du offen für Veränderungen bleibst.
¶ Projektmanagement – Ohne Plan kein Spiel
Neben der eigentlichen Spieleentwicklung gehört auch ein bisschen Planung dazu. Aber keine Sorge: Du musst keinen hochkomplexen Projektplan erstellen, bei dem jede Deadline und jedes Detail minutiös festgelegt ist. Für den Anfang reicht eine einfache Planung, die dir hilft, den Überblick zu behalten und dich vor einer der größten Anfängerfallen zu schützen: Content-Creep.
Dock was ist Content-Creep? Es ist diese typische Falle, in der man immer wieder neue Features einfügt oder Änderungen vornimmt, bis das Projekt irgendwann zu groß wird – und niemals fertiggestellt wird. Besonders bei deinem ersten Spiel solltest du dir von Anfang an einen klaren Rahmen setzen. Dabei hilft dir ein Game Design Document (GDD) → siehe Spielkonzept & Design.
Ein GDD ist nicht nur eine tolle Möglichkeit, deine Idee zu strukturieren, sondern auch ein Werkzeug, das dich fokussiert hält.
Ein gut ausgearbeitetes GDD ist dein Schutzschild gegen Content-Creep, denn es erinnert dich daran, was wirklich wichtig ist. Wenn du während der Entwicklung plötzlich denkst: „Oh, das wäre noch cool, das könnte ich noch hinzufügen!“, kannst du immer wieder darauf zurückgreifen und prüfen, ob diese Idee wirklich in den ursprünglichen Rahmen passt.
Du hast vielleicht schon von Projektphasen wie Prototyp, Alpha, Beta und Final Release gehört. Diese Phasen sind in der professionellen Spieleentwicklung extrem wichtig, um ein strukturiertes und erfolgreiches Projekt abzuliefern. Aber für dein erstes Spiel ist das weniger entscheidend. Dein Ziel sollte sein, ein Spiel von Anfang bis Ende umzusetzen – und dabei zu lernen, wie dieser Prozess funktioniert.
Das bedeutet: Halte dich nicht zu lange mit Prototyp-Phasen oder Polishing auf. Arbeite lieber daran, das Spiel fertigzustellen, und nutze den Abschluss des Projekts, um Feedback zu sammeln und aus deinen Erfahrungen zu lernen. Phasen wie Alpha und Beta kannst du später in deinen Workflow integrieren, wenn du ein besseres Verständnis für den Entwicklungsprozess hast.
Dennoch ist ein klarer Rahmen und eine feste Deadline unerlässlich, um dein Projekt zu Ende zu bringen. Frag dich:
- Was muss unbedingt fertig sein, damit das Spiel spielbar ist?
- Welche Features kannst du streichen, wenn die Zeit knapp wird?
- Wie viel Zeit brauchst du realistisch für die Umsetzung?
Diese Fokussierung hilft dir, Scope-Creep zu vermeiden. Das bedeutet nicht, dass du keine kreativen Ideen mehr haben darfst – aber halte dich an den Plan, den du in deinem GDD definiert hast. Ideen, die nicht direkt in den Rahmen passen, kannst du für zukünftige Projekte aufbewahren.
Das Beste? Du brauchst kein teures oder kompliziertes Tool für dein Projektmanagement. Für die meisten reicht Trello vollkommen aus. Es ist simpel, übersichtlich und erfüllt seinen Zweck – perfekt, um deine Aufgaben zu organisieren und Prioritäten zu setzen.
Wusstest du, dass das Indie-Spiel Terraria mit nichts anderem als einem Google-Sheet organisiert wurde? Das zeigt: Es gibt kein „richtiges“ Tool. Finde einfach das, was für dich funktioniert, und leg los.
So halte also im Hinterkopf: Eine gute Planung bringt Struktur in dein Projekt, ohne dass du dich in Details verlierst. Besonders für dein erstes Spiel ist es wichtig, ein klares Ziel, einen definierten Rahmen (zum Beispiel durch ein GDD) und eine feste Deadline zu haben. So vermeidest du Content-Creep und bringst dein Spiel zu einem Ende. Später, mit mehr Erfahrung, kannst du dann schrittweise zu einem detaillierteren Prozess übergehen – mit Phasen wie Prototyp, Alpha oder Beta. Fang klein an, bleib flexibel und hab immer dein Ziel vor Augen: dein Spiel zu entwickeln und Spielerfeedback zu sammeln. Je mehr du lernst, desto besser wirst du – und genau darum geht es.
¶ Speicher & Backups
Es gibt nichts Ärgerlicheres, als ein Projekt zu starten und es dann durch einen Festplattenausfall, eine kaputte Datei oder andere Zufälle zu verlieren. Stell dir vor, monatelange Arbeit verschwindet – nur, weil du keine Backups gemacht hast. Genau deswegen sind Backups unverzichtbar! Sie sind dein Rettungsanker, um sicherzustellen, dass deine Arbeit nicht verloren geht – egal, ob du alleine arbeitest oder mit einem Team.
Besonders, wenn du mit anderen an einem Projekt arbeitest oder Feedback einholen willst, brauchst du eine zuverlässige Möglichkeit, deine Daten zu sichern und zu teilen. Backups schützen nicht nur deine Fortschritte, sondern erleichtern auch die Zusammenarbeit. Sie sorgen dafür, dass du Versionen zurücksetzen, Änderungen nachvollziehen und immer auf den aktuellen Stand zugreifen kannst.
Ich habe so oft mit Studenten gesprochen, die ihre Projekte verloren haben, weil sie den Rat, regelmäßig Backups zu machen, auf die leichte Schulter genommen haben. Und glaub mir, jedes Mal war es das Gleiche: Frust, Enttäuschung und der Wunsch, die Zeit zurückzudrehen. Nimm dir diesen Ärger vorweg – Backups sind wirklich Gold wert.
Gerade am Anfang eines Projekts musst du es nicht zu kompliziert machen. Nutze einfache Tools wie Google Drive oder GitHub, um schnell loszulegen. Es geht nicht darum, die perfekte Lösung zu finden, sondern überhaupt einen Mechanismus zu haben, der deine Arbeit schützt.
Wenn dein Projekt wächst und die Anforderungen steigen, kannst du immer noch auf komplexere Tools umsteigen. Aber bis dahin gilt: Keep it simple! Ein einfacher Backup-Workflow ist besser als gar keiner.
Backups sind nicht nur praktisch, sondern essentiell. Sie bewahren dich vor unnötigem Stress und stellen sicher, dass du dich auf das konzentrieren kannst, was wirklich zählt: dein Spiel zu entwickeln. Also, leg los, sichere deine Arbeit und schaff dir eine solide Grundlage für deine Projekte. Alles Weitere kommt mit der Zeit.
¶ Welche Engine ist die beste?
Kleiner Spoiler: Es gibt keine „beste“ Engine. Vielleicht hast du schon Videos gesehen, die Titel tragen wie „Warum ich von Unity zu Unreal gewechselt bin“. Solche Inhalte vermitteln oft den Eindruck, dass eine Engine der Konkurrenz überlegen ist – aber die Wahrheit ist: Es kommt darauf an, was du brauchst.
Jede Engine hat ihre Stärken und Schwächen und ist für unterschiedliche Szenarien geeignet. Die Qualität eines Spiels hängt zu 95 % vom Entwickler ab – nicht von der Engine. Es geht darum, wie viel Zeit, Liebe und Sorgfalt du in dein Projekt steckst. Ein großartiges Beispiel ist Stardew Valley. Es wurde nicht mit einer der bekannten Engines entwickelt, sondern mit einem Open-Source-Framework namens MonoGame. Ist das Spiel deshalb schlechter? Ganz im Gegenteil – es zeigt, dass die Engine für Spieler oft keine Rolle spielt.
¶ Ein Überblick über die bekanntesten Engines
¶ Unreal Engine
Die Unreal Engine hat sich in den letzten Jahren einen fast mythischen Ruf erarbeitet und wird oft als „Qualitätssiegel“ wahrgenommen – was sie eigentlich nicht ist. Ursprünglich war sie eine Inhouse-Engine, und das merkt man: Unreal hat klare Vorgaben, wie Dinge umgesetzt werden müssen („The Unreal Way“). Das bedeutet, dass es eine steilere Lernkurve gibt, wenn du versuchst, von diesen Vorgaben abzuweichen.
Die Stärken von Unreal liegen in High-Definition-Grafiken und realistischen Effekten. Sie eignet sich besonders gut für große, ressourcenintensive Projekte, wie AAA-Titel. Für 2D-Spiele oder Mobile-Games ist Unreal hingegen weniger geeignet – nicht unmöglich, aber dafür gibt es bessere Alternativen.
Das Lizenzmodell von Unreal ist besonders attraktiv für Indies: Bis zu 1.000.000 $ Umsatz kannst du ohne Gebühren einnehmen. Darüber hinaus verlangt Epic Games nur 5 % Gebühren.
Bekannte Spiele, die mit dieser Engine umgesetzt wurden: Fortnite, ARK: Survival Evolved, Sea of Thieves.
¶ Unity
Unity gilt als eine der einsteigerfreundlichsten Engines und ist modular aufgebaut. Das bedeutet, dass du dich nach und nach mit den verschiedenen Komponenten vertraut machen kannst, ohne direkt vom Funktionsumfang erschlagen zu werden.
Die Stärken von Unity liegen besonders im Bereich Indie-Entwicklung und 2D-Games. Außerdem punktet die Engine durch eine gigantische Community, die tonnenweise Tutorials, Forenbeiträge und Asset-Pakete bietet. Der Asset Store ist ein riesiger Vorteil, da du dort nahezu alles finden kannst, was du für dein Spiel brauchst.
Unity hatte in der Vergangenheit einen Imageschaden durch die Einführung der sogenannten „Runtime Fee“. Obwohl die aktuelle Regelung besser ist, bleibt das Vertrauen in der Branche angeschlagen. Aktuell ist die Nutzung bis zu einem Umsatz von 200.000 $ pro Jahr kostenlos. Danach brauchst du eine Pro-Lizenz für etwa 2.000 $ pro Mitarbeiter und Jahr.
Bekannte Spiele, die mit dieser Engine umgesetzt wurden: Subnautica, Escape from Tarkov, Hearthstone, Pokemon Go.
¶ Godot
Die Godot Engine ist eine kostenlose, Open-Source-Alternative, die immer beliebter wird – vor allem durch die Unzufriedenheit vieler Entwickler mit Unity. Godot ist stark auf Indie-Entwicklung und 2D-Spiele ausgelegt, lässt sich aber auch für 3D-Projekte verwenden.
Die Engine wird von der Community entwickelt, was bedeutet, dass keine versteckten Kosten oder kommerziellen Interessen dahinterstehen. Für viele Indie-Entwickler ist das ein Traum, da sie vollständige Kontrolle über ihre Projekte haben.
Bekannte Spiele, die mit dieser Engine umgesetzt wurden: Brotato, MegaLoot.
¶ Game Maker
Game Maker ist eine Engine, die sich auf 2D-Spiele spezialisiert hat und besonders bei Einsteigern beliebt ist. Durch die klaren Fokusbereiche und die übersichtliche Struktur ist sie ideal, um schnell in die Entwicklung einzutauchen.
Das Preismodell von Game Maker ist fair: Eine kommerzielle Lizenz kostet einmalig 99 $. Für die Veröffentlichung auf Konsolen musst du ein Upgrade erwerben (79,99 $ monatlich oder 799,99 $ jährlich).
Bekannte Spiele, die mit dieser Engine umgesetzt wurden: Undertale, Nidhogg.
¶ Andere Engines und Tools
Neben den bekannten Engines gibt es unzählige weitere Tools. Einige AAA-Studios verwenden sogar vollständig eigene Inhouse-Engines, die speziell auf ihre Projekte zugeschnitten sind. Diese individuellen Lösungen sind oft kostengünstiger als die Gebühren, die bei kommerziellen Engines anfallen.
Für Einsteiger gilt: Die beste Engine ist die, mit der du anfängst. Es ist nicht entscheidend, ob du mit Unity, Unreal oder Godot beginnst – wichtig ist nur, dass du startest. Wenn du später feststellst, dass eine andere Engine besser passt, kannst du immer noch wechseln.
¶ Departments
¶ Art
Jedes Spiel braucht Art – das steht fest. Aber muss diese Art immer bombastisch oder hyperrealistisch sein? Absolut nicht. Tatsächlich beweisen viele Spiele, dass Konstanz im visuellen Design viel wichtiger ist als pure Grafikpower. Es geht darum, dass alles zusammenpasst und das Gesamtbild stimmig wirkt – das ist es, was Spieler wirklich anspricht.
Schau dir Undertale oder Celeste an. Beide setzen auf einfache, pixelbasierte Grafiken, aber sie ziehen die Spieler tief in ihre Welt. Warum? Weil ihr Art-Design konsequent ist und perfekt zu ihrer Spielmechanik und Story passt. Alles fühlt sich wie aus einem Guss an, und genau diese Konstanz sorgt dafür, dass Spieler in die Welt eintauchen können.
Das Art Department ist dabei vielfältiger, als man oft denkt. Es geht nicht nur um das Malen schöner Bilder. Benutzeroberflächen, Charakterdesigns, Umgebungen und Animationen – all diese Aspekte müssen harmonieren, um eine konsistente Spielerfahrung zu schaffen. Ein Flickenteppich aus unterschiedlich wirkenden Elementen kann schnell die Immersion brechen, egal wie gut die Einzelteile für sich genommen sind.
Und das Beste: Du musst kein Kunstprofi sein, um ein konsistentes Design umzusetzen. Es gibt so viele Marktplätze, auf denen du hochwertige Assets kaufen kannst, die du in dein Projekt einfügen kannst. Wichtig ist, dass du dir eine klare visuelle Sprache überlegst und dich daran hältst – von Anfang bis Ende.
So fasst es SaraJS sehr gut zusammen:
Hier ein paar Beispiele von ein paar Spielen:
Ein perfektes Beispiel dafür ist das Spiel Suika Game. Dieses simple Frucht-Puzzle überzeugt mit einer klaren Idee: Kombiniere Früchte, um deinen Score zu steigern, und sorge gleichzeitig dafür, dass der Behälter nicht überläuft. Ein einfaches Konzept, das durch seine Simplizität besticht.
Wie du leicht erkennen kannst, kommt das Spiel mit wenigen visuellen Assets aus. Es zeigt eindrucksvoll, dass du kein riesiges Asset-Budget oder aufwendige Grafiken brauchst, um ein erfolgreiches Spiel zu entwickeln. Mit ein paar gut ausgewählten Assets und einer cleveren Idee kannst auch du etwas Großartiges schaffen!
Ein weiteres großartiges Beispiel ist Alt F4. Dieses Spiel hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Spieler regelrecht zur Weißglut zu treiben – und das mit Erfolg! Es testet dein Durchhaltevermögen und deine Fähigkeit, deine Wut im Zaum zu halten, auf eine ganz besondere Art.
Was Alt F4 so interessant macht, ist, dass es mit willkürlich ausgewählten Assets arbeitet, die oft gar nicht so richtig zusammenpassen. Aber weißt du was? Das spielt überhaupt keine Rolle. Hier steht das Gameplay ganz klar im Fokus, und genau das hat dem Spiel zu seinem großen Erfolg verholfen. Es zeigt, dass manchmal alles andere zweitrangig ist, solange das Spielerlebnis überzeugt.
Auch Mini Metro beweist eindrucksvoll, dass keine komplexe Grafik nötig ist, um ein fesselndes Spielerlebnis zu schaffen. Das Spiel setzt hauptsächlich auf Linien und einfache, primitive Formen – und genau dieses minimalistische Design macht den besonderen Charme und die einzigartige Atmosphäre aus. Manchmal ist weniger eben mehr, und Simplizität kann effektiver sein als aufwendige Grafiken. Ein paar Linien und Dreiecke bekommst du doch sicher auch hin, oder?
Perfect Heist 2 wurde fast ausschließlich mit einem Asset-Pack aus dem Synty Store erstellt, das man dort kaufen kann. Und trotzdem war es ein großer Erfolg! Wenn die das schaffen, warum solltest du das nicht auch können?
Wenn du jetzt selbst kreativ werden möchtest, gibt es viele Tools, die dir dabei helfen können. Genau wie bei der Wahl einer Game Engine hängt es auch hier davon ab, was du konkret umsetzen möchtest. Aber keine Sorge – ich habe ein paar Empfehlungen für dich, die dir den Einstieg erleichtern!
Ein absoluter Klassiker im Bereich 3D ist Blender. Diese kostenlose Software ist unglaublich vielseitig und leistungsstark. Egal, ob du Charaktermodelle, Umgebungen oder Animationen erstellen möchtest – Blender bietet dir die Werkzeuge, die du brauchst. Es ist ein Allrounder, der für fast alle 3D-Projekte geeignet ist und definitiv einen Blick wert!
Für Voxel-Grafiken, die an 3D-Pixelkunst erinnern, ist MagicaVoxel eine großartige Wahl. Dieser spezialisierte Editor ist perfekt, um einfache, charmante Voxel-Elemente zu erstellen, die sich besonders gut für Spiele mit einem retro-inspirierten Look eignen.
Wenn Pixel Art dein Ding ist, dann führt kein Weg an Aseprite vorbei. Diese Software ist ein Must-Have für alle, die Spiele im Retro-Stil entwickeln möchten. Aseprite bietet eine benutzerfreundliche Oberfläche und mächtige Tools wie Layer-Unterstützung, Animationsfunktionen und eine umfangreiche Farbpalette. Egal, ob du Charaktere, Tilesets oder Animationen erstellen willst – Aseprite macht den Prozess intuitiv und macht Spaß.
Falls du nach einer kostenlosen Alternative suchst, solltest du dir GIMP ansehen. GIMP mag für manche ungewohnt wirken, aber es ist erstaunlich vielseitig. Nach etwas Einarbeitung kannst du damit nicht nur einfache Bildbearbeitungen durchführen, sondern auch komplexe digitale Kunstwerke erstellen. Von Fotomanipulation bis zu Sprite-Designs – GIMP ist flexibel und definitiv einen Versuch wert.
Ein weiteres großartiges Tool ist Krita. Krita ist ebenfalls kostenlos und eignet sich besonders gut für digitales Zeichnen und Animieren. Es ist ein wunderbarer Begleiter, wenn du Sprite-Animationen erstellen oder einfach deine künstlerischen Ideen umsetzen möchtest. Krita bietet dir professionelle Funktionen und eine intuitive Benutzeroberfläche, die sowohl Anfänger als auch erfahrene Künstler schätzen.
Egal, welches Tool du auswählst – das Wichtigste ist, dass du experimentierst und Spaß dabei hast. Jedes dieser Programme bietet dir die Möglichkeit, deine kreativen Visionen in die Tat umzusetzen. Probier sie einfach aus und finde heraus, welches am besten zu deinem Stil und deinen Projekten passt!
¶ Musik / Sound
Musik ist genauso essenziell für Spiele wie Art. Ein gutes Sound Design hebt ein Spiel auf ein völlig neues Level. Aber – und das ist wichtig – du musst kein professioneller Sounddesigner oder Musikproduzent sein, um großartige Sounds für dein Spiel zu erstellen. Genau wie bei der Grafik zählt hier die Kreativität und die richtige Herangehensweise.
Schau dir
an. Dieses charmante Spiel verwendet ausschließlich selbst erstellte Sounds, die mit dem Mund gemacht wurden – und es funktioniert großartig! Es zeigt, dass du nicht immer auf teure Tools oder umfangreiche Erfahrung angewiesen bist, um ein überzeugendes Sounderlebnis zu schaffen. Und wenn dir das nicht liegt, kannst du dich an Asset Packs bedienen. Es gibt zahllose Sound-Bundles für jedes Genre, die du nutzen kannst, um dein Spiel zu bereichern.
Wenn du selbst Hand anlegen möchtest, stehen dir viele hilfreiche Tools zur Verfügung. Für einfache Aufnahmen und die Bearbeitung von Soundspuren ist Audacity ein großartiger Startpunkt. Auch wenn das Interface etwas altmodisch wirken mag, ist die Software unglaublich leistungsfähig. Du kannst damit Sounds aufnehmen, schneiden und bearbeiten – und das kostenlos.
Wenn es um das Erstellen eigener Musik geht, sind sogenannte DAWs (Digital Audio Workstations) die richtige Wahl. Es gibt hier viele Optionen, und jeder schwört auf eine andere. Zu den bekanntesten gehören FL Studio, Cubase, Ableton, Studio One, Logic, Reaper und Pro Tools. Jede Software hat ihre Stärken, aber der wichtigste Tipp ist: Wähle eine aus und lerne sie kennen. Für Einsteiger ist FL Studio besonders empfehlenswert. Es ist einfach zu bedienen, bietet viele Lernressourcen auf YouTube und erfordert nur einen einmaligen Kauf der Lizenz.
Neben den klassischen DAWs gibt es auch spezialisierte Software, die dich bei der Sounderstellung unterstützt. FamiStudio ist eine fantastische Wahl, wenn du NES-ähnliche Sounds erstellen möchtest. Oder schau dir sfxr an – eine einfache Website, auf der du 8-Bit-Sounds generieren und direkt herunterladen kannst. Solche Tools sind perfekt, um schnell kreative Ideen umzusetzen und deinem Spiel eine besondere Klangnote zu verleihen.
Das Beste daran? Es gibt unzählige ähnliche Programme und Websites, die dich unterstützen können. Also, worauf wartest du? Leg los, probiere ein paar Tools aus und finde heraus, was für dein Projekt am besten funktioniert. Es braucht nicht viel, um großartige Sounds zu erstellen – nur ein bisschen Neugier und Experimentierfreude!
¶ Programming
Je nachdem, welche Engine du verwendest, wirst du dich mit unterschiedlichen Programmiersprachen auseinandersetzen müssen. Unity nutzt C#, Unreal bietet dir C++ und Blueprints, und Godot unterstützt sowohl C#, C++ als auch GDScript. Es gibt also keine universelle Lösung – die Wahl der Sprache hängt davon ab, welche Engine du nutzt und was du damit umsetzen möchtest.
Gerade beim Programmieren solltest du dir bewusst machen, worauf es wirklich ankommt: Was soll der Code erreichen? Natürlich nutzt man Code, um die Spiellogik umzusetzen, aber am Anfang solltest du dich nicht von Gedanken über "guten" oder "schlechten" Code bremsen lassen. Das einzige, was zählt, ist die Frage: Erreiche ich damit das Ergebnis, das ich möchte? Wenn ja, dann hast du alles richtig gemacht! Kein Spieler wird sich dafür interessieren, wie sauber oder unsauber dein Code ist. Das Einzige, worauf du achten solltest, ist, dass dein Spiel flüssig läuft.
Wenn du es schaffst, mit deinem Code eine funktionierende Spiellogik zu erstellen, die keine großen Lags produziert, hast du den wichtigsten Schritt geschafft. Der Rest – wie die Optimierung oder das "Schönmachen" deines Codes – kann später kommen. Der Schlüssel liegt darin, einfach loszulegen, Fehler zu machen und daraus zu lernen. Der Fokus sollte zu Beginn darauf liegen, Erfahrung zu sammeln und Feedback einzuholen.
Ein perfektes Beispiel dafür ist Undertale.
Ja, genau – Undertale
Der Source Code von Undertale ist öffentlich auf GitHub einsehbar, und ehrlich gesagt: Der Code ist alles andere als sauber oder gut strukturiert. Aber weißt du was? Das spielt überhaupt keine Rolle. Undertale ist eines der erfolgreichsten Indie-Spiele aller Zeiten, weil es Spaß macht, eine einzigartige Erfahrung bietet und genau die Funktionen hat, die es braucht. Das zeigt: Perfektion im Code ist nicht entscheidend – solange das Spiel begeistert, ist der Rest zweitrangig.
Also, worauf wartest du noch? Fang an, experimentiere und setze deine Ideen um. Der Feinschliff kommt mit der Zeit, aber ohne den ersten Schritt geht gar nichts. Just do it!
¶ Sei ein Part der Spiele Entwickler Community!
Gerade in der Anfangsphase, wenn alles noch neu ist und du dich in die Grundlagen einarbeitest, kann der Austausch mit anderen Entwicklern enorm helfen. Ob es darum geht, konkrete Fragen zu stellen, Inspiration zu finden oder einfach nur Unterstützung zu spüren – die Game-Development-Community ist da, um dich zu begleiten.
Game Jams sind ein perfekter Einstiegspunkt. Innerhalb weniger Tage arbeitest du in einem Team an einem kreativen Projekt, sammelst praktische Erfahrungen und knüpfst wertvolle Kontakte. Egal ob der Global Game Jam, die GMTK Game Jam oder kleinere, regionale Jams – auf Plattformen wie Itch.io wirst du immer wieder neue Herausforderungen und tolle Mitstreiter finden.
Besonders am Anfang mag dein Beitrag bei solchen Events vielleicht klein erscheinen, aber das ist völlig normal. Jeder Schritt, den du machst, zählt und bringt dich weiter. Spieleentwicklung ist ein Prozess – manchmal schnell, manchmal langsam – aber es ist immer eine Reise, die am meisten Spaß macht, wenn du sie gemeinsam mit anderen gehst.
Neben Game Jams gibt es auch viele andere Möglichkeiten, in der Community aktiv zu werden. Foren, Discord-Server und Social-Media-Gruppen sind ideale Orte, um Fragen zu stellen, dein Wissen zu erweitern oder einfach zu sehen, woran andere arbeiten.
¶ Zeit zum starten
Es gibt keinen besseren Zeitpunkt, um mit der Spieleentwicklung zu starten, als jetzt. Dank der heutigen Technik und einer Menge einfacher Tools ist es so einfach wie nie, eigene Spiele zu machen. Der Einstieg in die Welt des Game Developments ist heutzutage nicht nur leicht, sondern macht auch richtig Spaß und bringt echt was.
Außerdem wächst die Game Development-Community ständig: Es gibt haufenweise Foren, Discord-Server und Online-Gruppen, die voller motivierter Leute sind, die alle dasselbe Ziel haben – Spiele entwickeln und voneinander lernen. Egal ob du Anfängerfragen hast, vor größeren technischen Problemen stehst oder einfach Feedback für dein Projekt brauchst – die Community ist der perfekte Ort, um Hilfe zu bekommen, dich inspirieren zu lassen oder sogar Leute zu finden, mit denen du zusammenarbeiten kannst.
Warte nicht auf den perfekten Moment, der ist nämlich schon da. Leg los, probier dich aus, lerne dazu – und vor allem: Hab Spaß dabei, deine eigenen Welten zu erschaffen!